¿Cómo describe el escenario, actual, del artista plástico venezolano?
¿cuáles son los temas o propuestas necesarias en el arte plástico
venezolano? ¿Qué avances ha experimentado el arte plástico en el país los
últimos años?
R: Cuando nos toca
reflexionar sobre nuestra época y nos posamos frente a la utopía estética moderna de Caracas, la
postmodernidad se hace presente reflejando el aspecto plural y globalizado de
la sociedad de fínales del siglo XX, caracterizado por los medios de
comunicación de masas, que nos muestran ¨la realidad¨. Vale la
pena reflexionar y considerar ese éxtasis de impacto de esa imagen como medio
de formación del pensamiento estético para ese momento y su influencia en
nuestra cultura visual.
Ahora, en el arte de comienzos del siglo XXI podemos
apreciar el cambio de la civilización y de la conciencia humana, de los
significados del arte hijo se su tiempo, que se contextualiza de lo que
traduce, de lo que ve, en donde la interdisciplina se hace presente, dando lugar a una noción de subjetividad en la
cual se evidencia una visión intensificada de otras realidades donde los
problemas de género, Sistemas de Poder, identidad, multiculturalidad o transculturalidad, sociedad
de consumo, entre otros, se manifiestan en
todos los ámbitos expresivos del arte, y es que hoy
en día, el arte no ha dejado de ser un experimento, una investigación o un
ejercicio filosófico sobre todos estos temas, el arte hijo de nuestro tiempo,
critica a la sociedad y la visión de mundo de los artistas, ataca las distintas
realidades de esa sociedad, enfrentándose entonces a una gran responsabilidad
moral. Por otra parte, pareciera que la única preocupación de algunos otros
artistas es saber que pasos deben dar para destellar en el reducido y elitesco
mundo artístico, donde solo prima la naturaleza heroica del pasado que ha
desaparecido para siempre, ahora los sentimientos elevados y profundos no son
una ilusión de la realidad, ahora vemos un arte que nos describe todo lo que se
hace o se interviene para que una imagen emocione y cause una reflexión en el
espectador. Es el artista trabajando como artista.
Es esta una parábola
del arte actual y su relación con la vida, es así como resulta ser un arte
cautivador, un reflejo de nosotros mismos en el espejo.
Sabemos que hay propuestas de instalaciones, performances y otras
técnicas que resultan innovadoras para el público. ¿Qué caracteriza a cada
técnica y qué las hace arte plástico?
R: El arte multidisciplinario
nos permite crear un perfil de un artista contemporáneo integral en el
que se relaciona el cuerpo, el tiempo, el
espacio y la materia. El arte participa cada día mas de las interdisciplinas
como la ciencia por nombrar alguna.
De manera que la
plástica se refiere a la plasticidad de la materia y su susceptibilidad al
cambio de sus formas, de modo que las artes plásticas son aquellas en las que
un artista se enfrenta a una materia para poder trabajarla, denominada así por su condición estética y dada por los atributos que
le otorgamos a cada uno de esos materiales convirtiéndolos en un otro, dotando
la obra de plasticidad y otros
significados. Hoy en día, al integrar todos los
elementos adecuados no será necesario en algunos casos ni si quiera tocar la
materia para redimensionarla plásticamente, para comunicarnos convertiremos una
cara en un rostro, una naturaleza en un paisaje, un objeto cualquiera en una
obra de arte.
El cuerpo continúa siendo un instrumento/herramienta para las artes
plásticas, desde su visión como artista joven ¿qué función cumple el cuerpo en
las artes plásticas? ¿el cuerpo sólo para representar lo bello o el cuerpo
también para denunciar?
R: El cuerpo en el arte es una herramienta que posee un gran poder
comunicacional, permitiendo un dialogo más cercano e intimo dado a la
interacción con el espectador, todo esto acompañado de una propuesta espacial
relacionada con el tiempo complementa la acción, y según mi parecer dada a sus
cualidades, el Performance no se compara en los niveles de autenticidad con
ningún otro medio artístico.
Ahora bien, si
definimos la estética corporal como un lenguaje que únicamente se relaciona con
la belleza estamos hablando de categorías estéticas que trasforman sus
conceptos a través del tiempo, donde lo que puede ser bello para mi para otro
no lo es, todo esto intrínsecamente relacionado a la experiencia estética del
espectador frente al cuerpo, en el cual los dispositivos corporales no serán
manifestaciones necesariamente placenteras. Eso porque existe la libertad
estética, pero hay que tomar cartas en el asunto cuando en el nombre del arte
se crean dispositivos abominables que van en contra de cualquier ética. No
permitamos que el arte sea un pasaporte para la inhumanidad.
¿Cree en el arte con
concepto o en arte para sentir?
R: Existe una relación en
el arte entre la sensación y el pensamiento, no va por una parte el pensamiento
y por otro las emociones. Vale la pena resaltar la paradoja de un mundo
estétizado sumergido en la hiperestesia, que genera una especie de anestesia a
fuerza de ser sometidos a tantos estímulos, a constantes emociones, quizás
banales, perdiendo la capacidad de reaccionar, donde pocas cosas nos emocionan,
y es que las emociones actualmente se usan para vender, ejemplo de ello, la
publicidad, es decir, que una función de la estética también es encontrar una
cierta purificación, una cierta intensidad y concentración en el estimulo del pensamiento que
contrapese el sentir en este mundo
contemporáneo.
El arte en Venezuela ahora tiene mucha presencia y permanencia en las calles,
¿considera que las artes plásticas también deberían tomar los espacios no
convencionales? ¿Por qué es (o no) necesario?
R: El
artista no desea más ser un mártir heroico incomprendido como en la antigüedad,
se muestra abierto al impulso y al capricho de expresarse donde y cuando
quiera. La calle es el lugar predilecto de los artistas para ello, sin embargo,
pienso que jamás debería instituconalizarce este deporte extremo de alto riesgo
como lo es el arte de calle, ya que sin lugar a duda, perdería su esencia
rebelde.
Siguiendo con el postulado
anterior, ¿las artes plásticas pueden concebirse fuera del museo?, ¿cuál es su
visión del museo?
R: Estoy totalmente de acuerdo con los espacios concebidos
especialmente para el arte y aunque las artes a su vez pueden concebirse fuera
de ellos en espacios no convencionales como la calle o en otros convencionales
como las galerías, el museo es un lugar especialmente creado para la formación
y educación estética así como también para la recreación, la investigación y la
proyección de nuestra identidad y el intercambio cultural con el mundo. En él
debe garantizarse la gratuidad de sus accesos y debemos exigir mayor activismo
y responsabilidad en cuanto a la promoción y difusión de los talentos locales,
cediendo sus salas más importantes a ellos, así como también la invitación de artistas
internacionales a nuestro país y la democratización de sus espacios para la
realización de talleres de trabajo
provisionales para artistas.
¿Considera necesaria una revisión del concepto de artista plástico en nuestro
país?¿Cuál sería su propuesta y cómo la justificaría?
R: El Artista actual
plantea críticas, estimula el pensamiento reflexivo y es el hilo conductor del
cambio de valores. Ahora me pregunto si tenemos algo en que poder mejorar o cambiar,
ya que los valores ahora son meras ilusiones, el arte esta lleno de
motivaciones vulgares, la desilusión demuestra que los falsos valores pueden
mercantilizarse. Los artistas entonces debemos determinar que el arte debe ser algo más profundo, un antídoto
contra las culturas decadentes y con ello vendrán los planeamientos
individuales e impredecibles. Cuestionemos la sociedad, lo que nos enseñó la
historia, lo que nos venden los medios de masa y la industria, el progreso, la
religión, la educación, la familia, con todo lo que implica que una vez
aceptamos sus estereotipos se desencadenarán entonces los cambios de nuestra
época.
Una vez que su obra es seleccionada para ser exhibida en un espacio,
¿cuál es su papel, como autor de la obra, en el proceso del montaje?, ¿cómo
describiría la relación artista-curador?
R: Mi deber como artista una vez seleccionada la obra para ser exhibida
en algún espacio es hacerle seguimiento, participar en el montaje y todo lo que
pueda implicar la optimización en la realización de la muestra.
Con respecto a el curador como figura, se define cada vez más como un
gestor cultural, esencialmente un investigador formal
del arte que organiza exposiciones, selecciona a los artistas y las obras
participantes, documenta la muestra
y construye las referencias históricas, contextuales y conceptuales,
texto, imagen y publicación de la Expo.
Es
lamentable la apreciación que
tengo de la relación entre el curador y el artista, vale la pena destacar que no son todos nuestros curadores
los que personifican este juicio, y es que existe por otra parte curadores que usan y abusan
de los artistas y sus obras, transformándolos en ejemplos de sus teorías y
ocurrencias. Considero positivo que los artistas también generen sus curadurías
y proyectos, que produzcan textos frutos de su investigación, para quebrar esa
situación hegemónica que se transmite generacionalmente a través de lazos
personales y elites de curadores que pretenden legitimar o no a un artista a
través de sus practicas. Este tipo de intermediarios culturales entre el
artista y el espectador, entre la producción y la circulación de las obras,
insisten en atribuirse un rol de
legitimadores del arte.
Yo creo que
nadie conoce más de su obra que el propio artista, y este a su vez debe estar
preparado para su autogestión y autolegitimación, debe saber articular un
discurso o relato en conjunto de su obra por fuera de las instituciones
consagratorias.
¿Qué hace falta por hacer en las artes plásticas venezolanas a corto plazo?
R: Hace
falta que se
interesen honestamente por lo que se esta haciendo en los talleres de
los
artistas, que se investigue el arte contemporáneo venezolano a
profundidad, que se cultive
la formación estética en los Venezolanos, que se realicen publicaciones
de actualidad sobre Arte Venezolano,
que los espacios dominados por poderes incrustados den cabida a otras
propuestas, que los artistas reciban honorarios
profesionales, que exoneren el pago de la inscripción de los salones en
todo el
territorio nacional y que al inverso le paguen al artista por participar
en
ellos, que se proyecte el Arte Venezolano también en el exterior, que se
estimule a coleccionar Arte Venezolano, que se erijan residencias para
artista, que se realicen convivencias artísticas dentro y fuera del
país. El arte es un oficio de
creación y pensamiento que necesita inversión para su producción y
conservación.
Kiari Bastardo.
